Beeple 열풍 1주년 냉정한 생각: NFT는 예술가를 변화시켰지만, 예술을 변화시켰나요?

출처：《뉴욕 타임스》

원문 저자：Blake Gopnik

번역：하이얼스만, 체인캡처

1425년경, 피렌체의 예술가 마사치오는 단일 소실점 원근법을 사용하여 주요 작품을 그렸습니다. 이 혁신은 후속 예술가들에게 창작의 범위를 확장하는 기회를 제공했습니다.

1839년, 루이-자크-망데 다게르는 파리에서 그의 새로 발명한 사진술을 선보였습니다. 이는 시각적 표현의 본질을 변화시켰고, 박물관의 벽은 그 이후로 달라졌습니다.

1년 전, 2021년 3월 11일, 마이크 윙클먼, 예명 비플은 6900만 달러에 "컴퓨터 일러스트 콜라주"를 판매했습니다. 이 콜라주는 NFT라는 디지털 인증서에 부착되어 있었기 때문에 이 가격이 기록을 세웠습니다. 이 기록적인 가격은 다양한 창작자들 사이에서 미친 듯한 열풍을 일으켰습니다. 일러스트레이터, 음악가, 사진작가, 심지어 몇몇 경험이 풍부한 전위 예술가들까지 NFT 금광 열풍에 합류했습니다.

그 후 12개월 동안 약 440억 달러가 약 600만 개의 NFT에 사용되었습니다. 자금은 주로 디지털 창작물의 인증에 사용되었지만, 때때로 그림이나 조각과 같은 실물에도 사용되었습니다.

하지만 이 "NFT 예술"의 거대한 해일이 정말로 예술의 모습을 변화시키고, 어떤 의미에서는 거대한 변화를 이끌어냈을까요? 어렵고, 이러한 변화는 거의 불가능합니다: 왜냐하면 "NFT 예술"은 존재하지 않기 때문입니다.

마이크 윙클먼의 디지털 예술 작품 《매일------첫 5000일》(Everyday-The First 5000 Days)은 크리스티에서 6900만 달러에 판매되었으며, 이 작품은 5000개의 디지털 이미지로 구성된 콜라주입니다.

NFT는 위조할 수 없는 토큰으로, 단순히 소유권과 진위 증명서에 불과하며, 운동화나 신문 기사와 같은 어떤 유형의 물체에도 부착될 수 있습니다. 이는 블록체인에 존재하기 때문에 변경되거나 잃어버릴 수 없습니다.

NFT를 집의 계약서로 상상해 보세요: 누가 그것을 소유하고 있는지, 아마도 그것에 대한 몇 가지 정보가 있지만, 당신은 결코 "특정 집"에 대해 이야기하지 않을 것입니다. 마치 그것이 다른 일반적인 구식 집과 어떤 차이가 있는 것처럼 말이죠. "NFT 예술"과 일반 구식 "예술"도 마찬가지입니다.

보통, 당신이 받는 NFT는 디지털 파일일 것이며, 아마도 JPEG 이미지나 MP4 비디오일 것입니다. 이는 어떤 하드 드라이브에 존재하며, NFT가 등장하기 전 수십 년간의 예술 형식과 완전히 똑같이 보입니다. 물론 가장 비전통적인 작품인 Fewocious의 변성 소년 자전적 애니메이션조차도 NFT의 "인증"을 받지 않으면 "좋다"거나 "나쁘다"는 평가를 받을 수 있으며, 이는 개인의 취향에 따라 다릅니다.

뉴욕의 잭 핸리 갤러리에서 열린 첫 번째 갤러리 전시회에서 비플은 디지털을 실물로 교환하고 있었습니다: 그는 판화, 스케치 및 그림을 전시했습니다. 마치 그의 작품이 처음부터 본질적으로 NFT 스타일이 없었던 것처럼 말입니다.

만약 해커가 모든 NFT를 성공적으로 파괴한다면, 99.9%의 NFT "인증" 작품은 변하지 않을 것입니다. (우리는 나중에 남은 0.1%에 대해 논의할 것입니다. 왜냐하면 이것이 이 이야기에서 흥미롭고 중요한 부분이기 때문입니다: 극소수의 NFT가 새로운 예술을 가져올 수 있습니다.)

샌프란시스코 예술 박물관의 미디어 예술 관장 루돌프 프리링은 "나는 이렇게 말하는 것을 전적으로 지지합니다. NFT 예술은 존재하지 않으며, 오직 예술 또는 디지털 예술만 존재합니다."라고 말했습니다. 그는 웹사이트에서 3D 인쇄 조각에 이르기까지 다양한 디지털 예술을 수집하는 선구자였습니다. 프리링은 또한 "솔직히 말해서, 내 생각에 'NFT 예술 전시회'를 여는 것은 터무니없는 생각입니다."라고 덧붙였습니다.

런던 소더비 경매의 전문가 마이클 부하나는 NFT와 같은 디지털 예술품 판매에 대한 풍부한 경험을 가지고 있습니다. 그는 "곧 NFT의 신기함이 사라지면서 사람들은 '디지털 예술'에 대해서만 이야기하고, NFT는 소유권 이전의 세부사항으로 치부될 것"이라고 생각합니다.

NFT를 만드는 이유는 "판매"이지, 미적이지 않습니다. 2014년, 경험이 풍부한 디지털 예술가 케빈 맥코이는 뉴욕의 뉴 뮤지엄에서 열린 기술 친화적인 예술 축제에서 새벽까지 일하며, 기술 전문가 아닐 대시와 함께 첫 번째 NFT로 여겨지는 작품을 만들었습니다(그 당시에는 NFT라는 개념이 없었습니다).

몇 주 전, 나는 55세의 케빈과 그의 53세 아내 제니퍼를 만났습니다. 두 사람은 1990년 이후로 삶과 예술의 동반자였습니다. 케빈 맥코이는 2014년부터 자신과 친구들이 만든 디지털 작품의 저자성을 증명하고 소유권을 이전할 방법을 찾고 있었으며, 이러한 작품들은 대부분 판매되지 않았습니다. 결국, 비디오든 비플과 같은 JPEG든, 디지털 파일은 무한히 완벽하게 복사될 수 있습니다. 물론 다른 관점에서 보면, 예술가가 그들의 아이디어가 널리 영향을 미치기를 원한다면, 아마도 그렇게 해야 할 것입니다.

우리가 필요한 것은 일부 복제품을 "진품"으로 구별할 수 있는 방법입니다. 맥코이는 블록체인이 가상의 보험 금고 역할을 할 수 있다는 것을 깨달았습니다. 계약서를 NFT로 부여함으로써 원래 지하실에 있던 예술품이 갑자기 소장하고 거래할 수 있는 고정된 것이 되었습니다.

맥코이 부부는 그들이 설계한 새로운 아이덴티티가 디지털 예술가와 예술 작품이 생존하고 번영할 수 있도록 도와줄 것이며, 그들이 화가와 조각가처럼 쉽게 예술품을 판매할 수 있게 해줄 것이라고 말했습니다. 제니퍼는 "당신은 자유롭게 생각할 수 있는 공간이 있다고 느낄 것입니다."라고 말했습니다.

8년 후, 이 아이디어는 마침내 맥코이 부부에게 보상을 가져왔습니다. 케빈이 만든 첫 번째 NFT는 지난해 6월 소더비 경매에서 140만 달러에 판매되었습니다.

열풍 속에서, 아무도 돈을 벌 수 없다

하지만 NFT는 대부분의 예술가에게 그렇게 큰 영향을 미치지 않았습니다. 나는 분석 회사 체인애널리시스의 경제학자 이선 맥마흔에게 몇 가지 데이터를 분석해 달라고 요청했으며, 결과는 약 절반의 NFT 판매가 400달러 이하로 이루어졌으며, 이는 창작자가 NFT를 "주조"할 때의 가스 비용을 거의 충당하지 못하는 수준입니다. 디지털 스튜디오 유지 비용은 말할 것도 없고요(많은 돈을 들여 주조한 NFT조차도 팔리지 않으며, 그 비율도 상당히 높습니다).

맥마흔은 또한 거의 모든 NFT의 재판매는 고급 시장에서 발생하며, 거기서만 돈을 벌 수 있습니다. 대부분의 NFT는 거의 재판매되지 않습니다. "NFT 분야의 미친 열풍에서 이익을 얻으려는 사람들은 정말 조심해야 합니다… 왜냐하면 많은 경우, 그것이 결국 당신에게 불리하게 작용하기 때문입니다."

NFT는 왜 대중의 지지를 얻었는가?

이 NFT들이 더 많고 집중된 관객을 가져온다면, 일부 기술 애호가들은 만족할 수 있습니다. 그들은 NFT가 더 높은 급여를 가져다줄 것이라고 기대하지 않습니다. NFT 열풍은 디지털 원주율과 예술품 시장의 수집가들 간의 더 긴밀한 관계를 가진 디지털 원주율 사람들을 끌어들였습니다.

48세의 아일랜드인 존 제라드는 NFT 신입이 되고 싶어하는 이들이 "디지털 창작을 지원하는 혁명을 일으킬 잠재력이 있다"고 말했습니다. NFT가 등장하기 전, 그의 디지털 예술은 그에게 광범위한 인정을 가져다주었습니다. 2014년, 뉴욕 링컨 센터 광장에서 거대한 LED 스크린이 네바다의 태양광 발전소의 눈부신 실제 "현장" 이미지를 보여주었으며, 이는 전적으로 제라드의 컴퓨터의 0과 1로 구성되었습니다.

그러나 제라드는 엄청난 성공을 거두었음에도 불구하고, 예술계가 기본적으로 그와 같은 디지털 작품을 버리고 점점 더 보수적인 회화 장면에서 지배적인 작품을 선호한다고 생각했습니다. 따라서 NFT의 인기는 새로운 갤러리 커뮤니티를 초래할 수 있으며, 이는 가상으로 가장 매력적인 디지털 파일의 시장이 될 것입니다.

하지만 제라드는 NFT의 진정한 의미를 오해했을 수 있습니다. 마치 아무도 1916년의 베이비 루스 카드의 초상화를 감상하기 위해 그것을 수집하지 않듯이, "역전된 제니" 우표를 감상하기 위해 수집하지 않듯이, 경매에서 "평류층"에 도달한 대부분의 NFT는 그 희소성과 수집성 때문에 그렇게 된 것입니다. 예술성과는 기본적으로 아무런 관계가 없으며, 이는 미술과는 완전히 다른 인간의 욕구와 동기를 충족시킵니다.

그러나 이러한 욕구는 공동체, 소유권 및 그 권력, 사회적 인식에 대한 욕구를 포함하며, NFT의 진정한 예술적 잠재력을 드러냅니다.

예술적 영감으로서의 NFT

뉴욕 대학교의 예술 세계 경제학 교수 에이미 휘태커는 "예술은 사람들이 항상 자신과 경제학의 관계에 대해 정치적 선택을 하는 세계에 존재합니다."라고 말했습니다. NFT가 구매되고 판매되며 감상되는 방식은 자동으로 소유권 및 그 의미에 대한 문제를 제기합니다. 관대함(NFT 이미지는 자유롭게 퍼져야 한다)과 탐욕(NFT를 구매하는 주된 이유는 암호화된 부자들을 더 부유하게 만들기 위해서) 간의 갈등이 있습니다. NFT의 열풍은 집단 행동의 일종이며, 개인주의 문제와 관련이 있습니다. 일반적으로 누가 어떤 창작물에 자금을 지원할 수 있는가 하는 문제입니다. 휘태커는 NFT에서 이러한 사회적 "우연한 사건"이 중심 무대에 서 있으며, 거대한 미적 격리의 반대편에는 전통적인 미술 작품이 있다고 말합니다.

하지만 사실, 이러한 사회적 및 경제적 요인과의 연결은 지난 수십 년간 가장 혁신적이고 도전적인 예술의 핵심입니다. "상업 예술"로 알려진 예술 유형을 예로 들면, 이 예술에서 거래 행위는 그 문화적 복잡성 속에서 작품 자체로 전환되었습니다. 약 60년 전, 이브 클라인, 앤디 워홀 및 20세기 60년대의 다양한 개념주의자들이 이 장르를 개척하였고, 이후 20세기 90년대에는 다미엔 허스트의 작품에서 인기를 끌기 시작했습니다.

지난 여름, 허스트는 NFT 시장에 가장 먼저 진입한 예술 스타 중 한 명이 되었습니다. 그는 자신의 프로젝트를 "통화"라고 부르며, 그가 제공하는 NFT는 그의 10000개의 현장 그림에 해당합니다. 1년 후, 수집가는 블록체인 토큰을 보유하고 실물 그림을 태우거나, 그림을 보유하고 NFT를 포기할 수 있습니다. 상업 예술가인 허스트는 시장의 힘과 미적 즐거움 사이에서 싸우고 있습니다. 이 프로젝트는 예술 서비스 회사인 헤니(HENI)가 제작하였으며, 초기 판매 수익은 약 1800만 달러에 달했습니다.

암호화된 원주율 예술가인 팍이 제작한 NFT도 상업 예술에 포함될 수 있습니다. 그가 제공하는 디지털 이미지는 가장 순수한 시각적 재미를 가지고 있으며, 어떤 디자이너도 최소한의 큐브에서 즉흥적으로 창작할 수 있습니다. 그러나 이들은 NFT 형태로 판매되며, 이러한 기이한 방식은 큰 영향을 미쳤습니다. 이들은 한 번에 몇 분 동안만 대중에게 제공되며, 당신이 구매한 총 수량이 당신이 얻는 NFT 이미지에 영향을 미칩니다. 만약 우리가 진정한 "NFT 예술"을 찾고 있다면, NFT 자체가 성립한다면, 팍의 디지털 상업 예술은 자격이 있습니다.

또한 "관계 예술"(relational art)이라는 더 교활한 예술 유형이 있으며, 이는 새로운 상호작용을 촉발하여 인간의 상호작용을 드러내는 것을 목표로 합니다. 1992년, 태국 예술가 리리크릿 티라바니자는 고전적인 예를 만들어냈습니다: 그는 카레를 요리하기 시작하고 박물관 관객에게 카레를 제공했습니다. 이는 미식을 위한 것이 아니라, 사람들이 이러한 서비스를 제공하는 것이 무엇을 의미하는지를 주목하게 하기 위함이었습니다.

티라바니자가 음식과 관대함으로 실험한 것처럼, 크립토펑크는 초기 NFT 시리즈로서 수집 행동 및 그 의미에 초점을 맞춘 실험으로 간주될 수 있습니다.

크립토펑크는 2017년 6월에 탄생하였으며, 프로그래머 매트 홀과 존 와트킨슨이 기본 코드를 사용하여 10000개의 서로 다른 사람 머리의 만화 이미지를 생성했습니다. 픽셀화 정도가 너무 높아 몇 가지 식별 특성(모자나 머리카락)만 인식할 수 있습니다. 처음에는 무료였지만, 공급이 제한되고 종류가 다양해지면서 크립토펑크는 가장 수집 가치가 높은 수집품 중 하나가 되었으며, 현재 각 작품은 수백만 달러의 가치가 있습니다.

2월 말, 소더비는 3000만 달러에 104개의 크립토펑크 NFT를 판매할 계획이었으나, 의뢰인이 마지막 순간에 철회하여 경매가 취소되었습니다. "사람들은 매우 실망했습니다."라고 NFT 수집가 켄트 차루군드라는 말했습니다. 문제는 계속해서 치솟는 수집품 시장이 불안정해질 수 있다는 것입니다.

이 설명은 새로운 예술이 그 모든 사회적 및 경제적 복잡성 속에서 NFT의 본질을 드러내더라도, 이미 그 핵심이 된 탐욕 자본주의를 피할 수 없음을 보여줍니다. 올브라이트 노크스 박물관의 큐레이터 티나 리버스 라이언은 줌에서 발표하면서 디지털 예술가들이 NFT가 그들이 무시당한 매체에 풍부한 미래를 가져다줄 것이라고 생각한다면, 토큰의 새로운 세계는 "가난"을 가져올 수 있으며, 이는 디지털 예술뿐만 아니라 예술의 전면적인 종말을 초래할 수 있습니다. 왜냐하면 그것이 예술을 마찰 없는 상품으로 만들기 때문입니다.

하지만 라이언은 나를 NFT 세계의 외진 구석으로 안내했습니다. 그곳에서는 모든 것이 정상적으로 진행되는 것을 방해하는 작업이 진행되고 있습니다. 1년 전, NFT가 대유행하던 시기에, 다양한 컴퓨터 예술에 전념하는 벽돌과 모르타르 갤러리인 트랜스퍼의 창립자 켈라니 니콜은 "내 조각들"이라는 온라인 NFT 전시회를 조직하는 데 도움을 주었습니다. 이 전시회는 "윤리, 부의 재분배, 예술가 대리인 및 권리에 대한 강조를 통해 NFT를 반성하는" 것을 목표로 하였습니다.

일부 예술가는 작품을 무료로 제공하며("자본가의 소비 욕구를 명확히 거부"), 다른 예술가가 제공하는 작품은 NFT 세계의 기준과 일치하지 않습니다. 예를 들어, 런던의 다니엘 브라스웨이트 셜리의 작품은 낮은 해상도의 GIF로 구성되어 있으며, 이 GIF는 구매자에게 "흑인 교차 문화 예술가의 작품을 전시하고 투자할 것"을 약속하는 일련의 "약관"을 보여줍니다. 그런 다음 NFT의 구속력 있는 계약에서 수집가는 이러한 약속을 준수하고 인쇄하여 2년 동안 붙여 놓기로 동의합니다.

킴 로턴의 NFT 작품 《고행자》(Ascetic)

킴 로턴의 《고행자》(Ascetic) NFT의 구매자는 "반의" 작품을 얻습니다: 진짜 금 체인과 보석 체인의 소유권과 제목 단어가 적힌 문서, 그리고 공유할 수 있는 작품의 디지털 이미지가 포함되어 있습니다. 이 프로젝트는 NFT 세계의 모순을 포착하며, 즉 새롭고 비물질적인 주장과 현실에서의 열풍과 이익 간의 충돌을 드러냅니다.

이번 전시회의 모든 작품은 비평가들에게 많은 새로운 것을 말할 필요는 없었으며, 물론 그들은 NFT라는 형태로 표현할 필요성을 느끼지 않았습니다. 요약하자면, 그들은 이 전시회를 "메타 예술" 작품으로 변모시켰습니다. 메타 관계 예술 작품은 우리의 "비플" 시대에서 예술가, 큐레이터 또는 수집가가 의미하는 바를 반영합니다.